«Η πεντάχρονη κόρη μου θα ζωγραφίσει με τον ίδιο τρόπο»: πώς να αρχίσετε να καταλαβαίνετε την τέχνη και τι πρέπει να γνωρίζετε για αυτό

Αντιμετωπίζουμε πάντα τα έργα των καλλιτεχνών ή των γλυπτών υποκειμενικά, γιατί δεν υπάρχουν αυστηρά πρότυπα στη δημιουργικότητα. Ο κριτικός τέχνης Nikita Monich είπε στους ακροατές του podcast Science Pulverizer πώς να μάθουν να κατανοούν την τέχνη και αν μπορείτε να πιστέψετε τα στερεότυπα για τη ζωή και το έργο των δημιουργών.

Πρέπει πραγματικά ένας καλλιτέχνης να πεινάει;

Πολύπλοκο ζήτημα. Αυτό το στερεότυπο το συναντάμε πολύ συχνά. Ας αντικαταστήσουμε όμως τη λέξη «καλλιτέχνης» με όνομα άλλου επαγγέλματος. Είναι αλήθεια ότι ένας μαθηματικός, ένας μηχανικός, ένας υπουργός ή ένας πρόεδρος πρέπει να ζει στη φτώχεια; Αν ο καθένας από εμάς σκεφτεί τη δική του δουλειά, πιθανότατα θα καταλήξουμε στο συμπέρασμα: «Σίγουρα δουλεύω για να μην πεινάω». Και οι καλλιτέχνες αντιμετωπίζουν τη δουλειά τους με τον ίδιο τρόπο.

Αξίζει επίσης να διευκρινιστεί τι σημαίνει «επαγγελματίας καλλιτέχνης».

Αλλά συμβαίνει ότι το έργο ενός ζωγράφου λαμβάνει μια αξιόλογη αξιολόγηση μόνο μετά το θάνατό του. Υπάρχουν πολλοί δημιουργοί που έζησαν φτωχές ζωές και πέθαναν ακατάληπτοι. Και δεν είχαν χρόνο να δουν ότι οι πίνακές τους ήταν περιζήτητοι. Ως εκ τούτου, οι ιστορικοί τέχνης πιστεύουν: εάν τα έργα του ζωγράφου έχουν αποκτήσει υψηλή εκτίμηση, τότε μπορεί να θεωρηθεί επαγγελματίας που έχει συμβάλει σημαντικά στην τέχνη.

Ένας καλλιτέχνης, φυσικά, δεν χρειάζεται να πεινάει, αλλά μερικές φορές αναγκάζεται να ζει στη φτώχεια. Συμβαίνει το όραμά του για τον κόσμο, τα μηνύματά του που προσπαθεί να μεταφέρει μέσα από τα έργα του, να μην έχουν απήχηση σε αυτούς που αγοράζουν τους πίνακες. Αυτό συμβαίνει συχνά σε καινοτόμους. Ή με εκείνους που λαμβάνουν αναγνώριση μόνο σε μια σύντομη περίοδο της δημιουργικής τους ζωής. Τότε αυτοί οι κύριοι παραμένουν πραγματικά πεινασμένοι.

Αλλά ευτυχώς γνωρίζουμε πολλούς καλλιτέχνεςπου είχαν επιτυχία. Καταλάβαιναν πολύ καλά τι χρειάζονταν οι σύγχρονοί τους. Και θα μπορούσαν επίσης να προσθέσουν ένα νέο όραμα στις παραδοσιακές προσεγγίσεις. Το έκαναν όμως σε δόσεις – για να μπορέσει η κοινωνία να δεχτεί τις καινοτόμες αποφάσεις τους.

Τέτοια αναγνώριση πέτυχαν οι Ραφαέλ, Ρούμπενς και αργότερα οι Μαρκ Σαγκάλ, Σαλβαδόρ Νταλί, Πάμπλο Πικάσο.

Αλλά υπάρχουν και άλλα παραδείγματα - ας πούμε, ο Klimt και ο Schiele. Ο πρώτος είχε μια λαμπρή καριέρα και ήταν ο πιο επιτυχημένος καλλιτέχνης στη Βιέννη. Ο δεύτερος είναι μαθητής του. Έζησε μια δυστυχισμένη σύντομη ζωή και έλαβε αναγνώριση μόνο στο τέλος.

Επομένως, συμβαίνει το μότο του καλλιτέχνη να γίνει η φράση l’art pour l’art - «τέχνη για την τέχνη». Και τα χρήματα πρέπει κερδίζω σε διαφορετική περίπτωση. Αυτό έκανε για παράδειγμα ο διάσημος ντα Βίντσι.

Μπορούμε να διαχωρίσουμε τους θρύλους των καλλιτεχνών από τα γεγονότα;

Ας συνεχίσουμε να μιλάμε για τον Λεονάρντο και ας δούμε τη Μόνα Λίζα του. Υπάρχουν πολλοί θρύλοι γύρω από αυτόν τον διάσημο πίνακα. Για παράδειγμα, πιστεύεται ότι ο καλλιτέχνης προσέλαβε μουσικούς για να μην βαρεθεί το μοντέλο ενώ τη σχεδίαζε. Και το διάσημο χαμόγελο της Τζοκόντα εμφανίστηκε ακριβώς χάρη σε αυτή τη μουσική. Και γενικά, ο καλλιτέχνης ζωγράφισε τα χείλη του κοριτσιού μόνο για 12 χρόνια.

Είναι δύσκολο να διαχωριστούν τα γεγονότα από τις εικασίες εδώ. Δεν γνωρίζουμε σχεδόν τίποτα για το πώς λειτουργούσε στην πραγματικότητα Ντα Βίντσι και των συγχρόνων του. Ναι, μπορούμε, για παράδειγμα, να μελετήσουμε τα ημερολόγια του Λεονάρντο. Αλλά το να κατανοήσει κανείς τις σημειώσεις του δεν είναι εύκολη υπόθεση.

Γνωρίζουμε τις βιογραφίες του Λεονάρντο και των συγχρόνων του από τα αρχεία του καλλιτέχνη και κριτικού τέχνης Vasari. Αλλά δεν γνωρίζουμε με πόσο ακρίβεια αντικατοπτρίζονται τα γεγονότα σε αυτά τα έργα, τα οποία έχουν γίνει κανονικά.

Για παράδειγμα, ο Vasari περιγράφει τα φρύδια της Μόνα Λίζα. Αλλά δεν υπάρχουν φρύδια στον καμβά. Επιπλέον, απουσιάζουν όχι μόνο στην τελική έκδοση. Κάτω από το εξωτερικό στρώμα, εάν μελετήσετε την εικόνα χρησιμοποιώντας ακτινογραφία, τα φρύδια δεν φαίνονται επίσης. Αποδεικνύεται ότι ο Vasari είτε δεν είδε αυτή την εικόνα ο ίδιος και του τραγούδησε ο Ραμπίνοβιτς, είτε το είδε, αλλά έγραψε γι 'αυτό από μνήμης και έκανε λάθος.

Υπάρχουν όμως και γεγονότα για τα οποία είμαστε σίγουροι. Ο Λεονάρντο έγραφε το La Gioconda για πολύ καιρό και το αντιμετώπιζε με ιδιαίτερα συναισθήματα. Άρχισε να εργάζεται αφού έλαβε την παραγγελία το 1467. Τότε δεν έδωσε ποτέ τον πίνακα στον πελάτη και τον πήρε μαζί του για αρκετή ώρα. Μετά από 40 χρόνια, ο Λεονάρντο επέστρεψε στη δουλειά. Ίσως πρόσθεσε μόνο μερικά εγκεφαλικά επεισόδια - ακόμη και με τη βοήθεια ακτινογραφιών δεν μπορούμε να πούμε ακριβώς ποια χρονιά εφαρμόστηκε κάθε συγκεκριμένο εγκεφαλικό επεισόδιο. Γνωρίζουμε όμως ότι ο καλλιτέχνης ολοκλήρωσε τον πίνακα πολλά χρόνια μετά την έναρξη του έργου.

Ποιους ζωγραφίζουν πραγματικά οι καλλιτέχνες στα πορτρέτα τους;

Φαίνεται ότι η απάντηση είναι προφανής: αυτοί που τους χρησιμεύουν ως πρότυπα. Αλλά αν μιλάμε για τη Μόνα Λίζα, μπορείτε να ακούσετε πολλές εικασίες για το ποιον πραγματικά ήθελε να υποδυθεί ο Λεονάρντο. Κάποιοι το πιστεύουν ο ίδιος. Ή ακόμα και ο Χριστός.

Στην πραγματικότητα, δεν είναι πολύ σημαντικό ποιος λειτούργησε ως πρότυπο για την εικόνα. Συχνά ένα πορτρέτο είναι απλώς μια εικόνα. Ας πούμε ότι το άτομο στον καμβά μοιάζει πολύ με αυτό που πόζαρε. Ωστόσο, κάθε πίνακας είναι και ένα πορτρέτο του ίδιου του καλλιτέχνη. Όχι όμως γιατί ζωγραφίζει πάντα την εμφάνισή του.

Δεν είναι η μορφή που έχει σημασία εδώ, αλλά το περιεχόμενο. Δηλαδή το μήνυμα, το νόημα που βάζει ο καλλιτέχνης σε κάθε του έργο. Και αυτό το μήνυμα εξαρτάται αποκλειστικά από τον δημιουργό.

Τι ρόλο έπαιξαν οι γυναίκες στην κλασική τέχνη;

Συχνά έγιναν μούσες για δημιουργούς. Σπάνια όμως μπορούσαν να λάβουν οι ίδιοι κλασική εκπαίδευση και να γίνουν καλλιτέχνες.

Αυτός είναι ένας από τους λόγους για τον περιορισμό. Οποιοσδήποτε πίνακας ή γλυπτό είναι ένα αισθητήριο αντικείμενο. Η δημιουργικότητα ήταν πάντα συνδεδεμένη με τη σεξουαλικότητα. Αυτό είναι σε μεγάλο βαθμό εξάχνωση, δηλαδή η κατεύθυνση της αισθητηριακής ενέργειας προς μια άλλη, δημιουργική κατεύθυνση. Και το ξέρουμε αυτό καλλιτέχνεςΕκείνοι που δημιούργησαν την κλασική τέχνη ζωγράφιζαν συχνά γυμνές γυναικείες φιγούρες. Για το σκοπό αυτό, μοντέλα τους πόζαραν.

Ωστόσο, στους περασμένους αιώνες ήταν αδύνατο να σκεφτεί κανείς ότι ένα κορίτσι ζωγραφίζει έναν γυμνό άνδρα. Δεν μπορούσε καν να είναι στο ίδιο δωμάτιο μαζί του.

Αυτό όμως δεν σημαίνει ότι οι γυναίκες δεν έχουν επηρεάσει την τέχνη με κανέναν τρόπο. Αντίθετα, χωρίς αυτούς δύσκολα θα είχε φτάσει σε υψηλό επίπεδο.

Πρόσφατα έγινε το Μουσείο Πράδο έργο El Prado en femenino. Οι δημιουργοί του έφτιαξαν ένα βίντεο στο οποίο όλοι οι πίνακες που παρήγγειλε, αγόρασε ή έκανε μέρος της συλλογής της γυναίκας εξαφανίστηκαν από τους τοίχους του μουσείου. Και ως αποτέλεσμα, σχεδόν όλα τα κύρια αριστουργήματα εξαφανίστηκαν από τις αίθουσες του μουσείου στο βίντεο.

Μπορεί ένας απλός άνθρωπος, και όχι ένας ειδικός, να καταλάβει τη σύγχρονη τέχνη;

Οποιοσδήποτε πίνακας, γλυπτική, έργο διακοσμητικής και εφαρμοσμένης τέχνης, μελωδία είναι ένα μήνυμα. Και μεταδίδεται σε κάποια γλώσσα. Αυτό σημαίνει ότι για να αποκρυπτογραφήσετε αυτό το μήνυμα, πρέπει να γνωρίζετε τη γλώσσα στην οποία μεταδίδεται.

Όταν ένα άτομο βλέπει κάποια άτομα ή αντικείμενα σε μια εικόνα, συχνά του φαίνεται ότι όλα είναι ξεκάθαρα. Ο θεατής μπορεί να σκεφτεί: αυτή είναι μια ρεαλιστικά σχεδιασμένη όμορφη γυναίκα - τι είναι ασαφές σε αυτό; Αλλά δεν βλέπει τις αλληγορίες, δεν ξέρει ποια ιστορία είναι κρυπτογραφημένη στην εικόνα, δεν αναγνωρίζει τα λογοτεχνικά αποσπάσματα που σχετίζονται με αυτήν. Αν δει αγίους, μπορεί να μην ξέρει για τι φημίζονται, με ποιες ιδιότητές τους σχεδιάζονται δίπλα ή γιατί χρειάζονταν αυτές οι ιδιότητες. Και τελικά δεν καταλαβαίνει το μήνυμα που ήθελε να περάσει ο καλλιτέχνης.

Αλλά το άτομο καταλήγει: «Το καταλαβαίνω αυτό, γιατί υπάρχουν άνθρωποι εδώ. Αλλά εδώ υπάρχουν μόνο σημεία, η πεντάχρονη κόρη μου θα ζωγραφίσει με τον ίδιο τρόπο - δεν καταλαβαίνω».

Αλλά για να προκύψει μια σχέση, πρέπει να καταλάβετε τι ακριβώς σας είπαν. Αν η φράση ακούγεται στη γλώσσα ενός ξένου Γλώσσα - για παράδειγμα, στα βιετναμέζικα ή στα ουγγρικά - δεν θα αντιληφθεί τίποτα. Και δεν θα λάβει το μήνυμα, ακόμα κι αν είναι εξαιρετικά σημαντικό και θα μπορούσε να αλλάξει τη ζωή του.

Συμπεραίνουμε: το να κατανοείς την τέχνη σημαίνει να γνωρίζεις καλά τη γλώσσα που μιλά ο καλλιτέχνης. Εάν δεν καταλαβαίνετε αυτή τη γλώσσα, τότε θα είναι αδύνατο να ακούσετε τον καλλιτέχνη.

Πώς να μάθετε να κατανοείτε την τέχνη

Αξίζει να καταλάβετε τι ακριβώς σας αρέσει και με τι αντηχεί. Για να το κάνετε αυτό πρέπει να δοκιμάσετε διαφορετικά πράγματα. Είναι όπως με τα προϊόντα: μπορείτε να συγκρίνετε διάφορους τύπους χυμού και μετά να αποφασίσετε ότι εξακολουθείτε να σας αρέσει περισσότερο η μπύρα. Αλλά πρώτα πρέπει να δοκιμάσετε κάθε ποτό.

Αν έχετε αρχίσει να εξοικειωθείτε με τέχνη, θυμηθείτε δύο κανόνες:

1. Το ενδιαφέρον για την εικόνα ξεκινά με τη δεύτερη προβολή. Αν θέλετε να το ξαναδείτε, σημαίνει ότι κάτι έχει μέσα.
2. Μην φοβάστε τα spoilers. Πριν πάτε στο μουσείο, μπορείτε να διαβάσετε γι 'αυτό. Και δείτε τα 20-30 αριστουργήματα που είναι αποθηκευμένα εκεί. Είναι εύκολο να βρεθούν, για παράδειγμα, στην πλατφόρμα Google Arts&Culture.

Στην αρχή, απλά κοιτάξτε τις εικόνες, ξεφυλλίστε τις σελίδες - στο πρώτο στάδιο αυτό είναι αρκετό. Ταυτόχρονα, ανοίξτε σε νέες καρτέλες εκείνους τους καμβάδες που τράβηξαν την προσοχή σας. Στη συνέχεια, δείτε ξανά αυτά τα έργα, διαβάστε για αυτά.

Αργότερα, όταν πάτε στο μουσείο, πηγαίνετε κατευθείαν στους πίνακες που σας ενδιαφέρουν. Δηλαδή σε ήδη γνώριμους καμβάδες. Αυτό είναι απαραίτητο για να μην σπαταλάτε τον πιο πολύτιμο πόρο σας - την προσοχή.

Επομένως, κοιτάξτε μόνο τι έχετε προγραμματίσει εκ των προτέρων. Και μετά προσπαθήστε να ξεχωρίσετε τρία έργα από όλα αυτά που είδατε:

1. Αυτό που σου άρεσε περισσότερο.
2. Αυτό που δεν σου άρεσε περισσότερο.
3. Αυτό που σου φάνηκε πιο περίεργο.

Στη συνέχεια, πάρτε το smartphone σας και ενεργοποιήστε το τρομάζωώστε να χτυπήσει σε πέντε λεπτά. Είναι πολύ σημαντικό να μην κοιτάτε την οθόνη όλη αυτή την ώρα, οπότε ας είναι ένα ξυπνητήρι, όχι ένα χρονόμετρο. Και μιλήστε στην επιλεγμένη εικόνα για πέντε λεπτά. Φροντίστε να μιλάτε δυνατά, μόνο ήσυχα - είστε ακόμα σε μουσείο. Μιλήστε με μέσο ρυθμό, χωρίς επανάληψη. Συνεχίστε μέχρι να ηχήσει το ξυπνητήρι.

Λοιπόν, αν επαναλαμβάνετε αυτήν την τεχνική κάθε φορά που επισκέπτεστε μια νέα έκθεση, με την πάροδο του χρόνου θα συσσωρεύετε αντιληπτική εμπειρία. Και θα μπορείτε να ερμηνεύσετε καλύτερα την τέχνη.